Seelenresonanz und Musik

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Einführung

Es gibt subjektive und objektive Gründe, warum Sie einen Song einem anderen vorziehen könnten. Subjektive Gründe sind:

• Tradition: Weil du das gehört hast, als du aufgewachsen bist. Ihre Präferenz ergibt sich dann aus Gewohnheit und Identifikation mit Ihrer Familie und Kultur. Sie genießen Freude an Sicherheit, Komfort und Vertrautheit. Volks- und Country-Musik spielen dabei eine herausragende Rolle.

• Identität: Da das Lied eine symbolische Darstellung einer Subkultur ist, in die Sie Ihre soziale Identität investiert haben, wobei die Musik eher ein Modeaccessoire oder ein Emblem ist, das vor anderen angezeigt wird. Sie sind zufrieden mit den Reaktionen, die Sie von anderen erhalten. Alles, was mit einem unverwechselbaren Look verbunden ist, wie Rap, Punk, Gothic, Country und Metal, kann diese Funktion erfüllen.

• Gefühl: Weil Sie ein Lied während einer bedeutungsvollen oder emotionalen Zeit in Ihrem Leben hören und die beiden in Ihrem Kopf miteinander verbunden werden. Das Lied wird dann dieselben Emotionen auslösen, wenn es in Zukunft wieder gehört wird. Wie ein Duft von Parfüm, der schöne Erinnerungen weckt, genießen Sie die sentimentale Wirkung, die dies mit sich bringt. Popsongs, insbesondere Balladen, die häufig im Radio gespielt werden, sprechen diesen Faktor an.

Alleine diese Faktoren haben wenig mit der eigentlichen Musikalität des Songs zu tun. Sie projizieren lediglich subjektive Werte auf das Gehörte.

Wahre Musik wird daran gemessen, inwieweit ihre Melodie, Harmonie, ihr Rhythmus und ihre Textur an und für sich eine objektive Reaktion in uns hervorrufen. Zum Beispiel klingt ein Moll-Akkord traurig, ohne dass wir jemals konditioniert werden müssen, um das zu fühlen. Säuglinge können lange vor ihrer Enkulturation zwischen harmonischen und dissonanten Akkorden unterscheiden. Ein Schlag kann dazu führen, dass wir klatschen oder mit dem Fuß klopfen, ohne dass uns dies beigebracht werden muss, wie dies bei Babys der Fall ist, die ihre Knie beugen und instinktiv zur Musik springen. Ebenso kann ein seltsames Muster seltsamer Geräusche dazu führen, dass wir neugierig den Kopf neigen.

Einige objektive Reaktionen stimulieren den Intellekt, einige den physischen Körper und einige die emotionalen und spirituellen Aspekte unseres Seins. Neben den oben genannten subjektiven Gründen für die musikalische Präferenz gibt es auch objektive:

• Intrige: Ihr Intellekt wird durch die Originalität, Schrulligkeit oder Komplexität eines Songs geweckt. Sie finden es amüsant, von Langeweile, Apathie oder Erschöpfung durch seine Neuheit gerührt zu werden. Experimentelle Electronica, Noise und Math Rock konzentrieren sich ausschließlich auf diesen Aspekt.

• Groove: Der Beat und Rhythmus des Songs stimulieren die motorischen und sprachlichen Bereiche Ihres Gehirns und regen Sie zum Tanzen an. Sie haben Freude an den Endorphinen, die durch körperliche Bewegung freigesetzt werden, an der sozialen Anerkennung und Kameradschaft, die beim Tanzen mit anderen vorhanden sind, und es fühlt sich einfach gut an, durch das klangliche Äquivalent eines Stimulans körperlich motiviert und energetisiert zu werden.

• Resonanz: Es gibt etwas in einem Lied, das etwas in dir auf emotionaler, spiritueller, archetypischer Ebene stimuliert. Es ruft eine Reaktion hervor, die davon abhängt, wie sehr wir innerlich mit der Kombination aus Melodie, Harmonie, Rhythmus und Textur dieses Songs in Resonanz stehen.

Songs repräsentieren normalerweise eine Mischung aus all dem. Wenn ein Song mehrere Faktoren kombiniert, hat er eine größere Wirkung und eine größere Anziehungskraft:

• Ein bisschen emotionale Resonanz trägt wesentlich zum Aufbau einer assoziativen Konditionierung bei, die dann die scheinbare emotionale Intensität des Songs verstärkt und zu einem starken sentimentalen Effekt führt. Dies ist die Grundlage für saftige Balladen, die in den 70er und 80er Jahren auf Radiosendern gespielt wurden.

• Groove verbessert intellektuell faszinierende Songs, indem es etwas physische Energie hinzufügt, was es sowohl interessant als auch unterhaltsam macht. Viele Beispiele finden sich in der elektronischen Musik.

• Groove kombiniert mit Tradition sorgt für einen hohen Tanzfaktor, wie man in osteuropäischen Volkstänzen, Samba und Salsa, mexikanischer Polka, amerikanischen Hoedowns und Country Line Dance hören kann.

• Identität, Groove, Intrigen und Resonanz des Zorns finden sich in den meisten Formen von Nu Metal, Djent, Screamo, Grindcore usw.

Musikalische Vorlieben

Wir wissen, dass sich Menschen darin unterscheiden, inwieweit sie auf ein Lied reagieren. Einige identifizieren sich möglicherweise nicht mit der dargestellten Tradition; einige finden seine intellektuelle Komplexität verwirrend und irritierend; Einige wünschen sich nur Groove und finden in einer langsamen emotionalen Ballade wenig Anziehungskraft. Einige haben nicht die Aspekte in ihrer Seele, die ein Lied mitschwingen soll. Einige hatten nie eine bedeutungsvolle oder emotionale Erfahrung, die mit einem bestimmten Lied verbunden war, das für jemand anderen viel sentimentalen Wert hat.

Wenn also verschiedene Personen unterschiedlich auf dasselbe Lied reagieren, verstehen Sie, dass in Bezug auf die objektiven Faktoren der Unterschied nur den Grad betrifft, in dem dieser Faktor in dieser Person vorhanden ist. Ein skurriles und komplexes experimentelles Stück könnte großes Interesse an einer Person, wenig Interesse an einer anderen und starkes Desinteresse an einer dritten Person wecken. Wenn ein Song Groove hat, tanzt eine Person unkontrolliert, eine andere tippt nur mit dem Fuß und eine andere Person ohne Rhythmus verschränkt gelangweilt die Arme. Wenn ein Lied die Emotion des Glücks mitschwingt, hat eine Person Tränen in den Augen, eine andere fühlt sich nur emporgehoben, und eine andere mag es im Moment nicht mögen, sich glücklich zu fühlen. Es geht um unterschiedliche Grade auf derselben Skala.

Andererseits haben die subjektiven Faktoren keine solche Konsistenz:

• Ein Mann hört ein Lied während seines ersten Kusses, ein anderer kurz vor dem Autounfall, bei dem seine Frau getötet wurde. Das gleiche Lied durch Assoziation wird im ersten ein Lächeln und im letzteren Traurigkeit hervorrufen.

• Das gleiche Rap-Lied vermittelt einer Person ein Gefühl der Zugehörigkeit und Identität und in einer anderen Person ein Gefühl des Hasses oder der Verachtung gegen die schwarze Kultur.

• Negative Assoziationen können so stark sein, dass sie den Eigenresonanzwert eines Songs überschreiben. Eine Person mag Metal, weil es sein inneres Gefühl von Tapferkeit und Stärke widerspiegelt, eine andere hasst es nur, weil ihr missbräuchlicher Ex-Freund in einer Metal-Band war.

Eine starke Abneigung gegen bestimmte Musik ist normalerweise auf eine Kombination aus mangelnder Resonanz, negativ bedingten Assoziationen, Zusammenstößen gegen die eigene Tradition oder subkulturelle Zugehörigkeit und Abneigung gegen die körperlichen Reaktionen zurückzuführen, die durch die Textur und den Rhythmus eines Songs hervorgerufen werden (wie z zügellos gegenüber prüden oder verzerrten Gitarren, die die Ohren derer kratzen, die Komfort und Sanftmut bevorzugen).

Es stellt sich also die Frage, was die musikalische Präferenz über eine Person aussagt. Hier sind einige Möglichkeiten:

• Wenn Sie ein Lied nur aufgrund von Tradition, Identifikation oder Sentimentalismus mögen, dann zeigt dies einfach die Art der Erfahrungen und sozialen Einflüsse an, mit denen Sie geprägt wurden. Es sagt sehr wenig über dein inneres Wesen aus. Wie kann es sein, wenn die Resonanz auf die Musikalität eines Songs keine Rolle spielt, wenn Sie es immer hören oder singen?

• Wenn Sie ein Lied nur wegen seiner intellektuellen Intrige mögen, bedeutet dies lediglich, dass Sie so etwas noch nie zuvor gehört haben. Es ist etwas Neues, Überraschendes und damit Amüsantes. Wenn das Lied komplex und abstrakt ist, heißt es vielleicht, dass Sie einen aktiven Intellekt haben, der sich einer abstrakten sensorischen Stimulation erfreut. Aber es sagt nichts über deine Seele aus.

• Wenn Sie Songs nur wegen ihres Grooves mögen, sind Sie wahrscheinlich eine kinästhetische Person mit guter Hand-Auge-Koordination und einem gesunden motorischen Sprachsystem im Gehirn. Es spricht mehr für Ihre physiologische und neurologische Zusammensetzung als für alles andere.

Diese Faktoren bieten nicht viel Einblick in Ihre innere emotionale, spirituelle, archetypische Zusammensetzung. Dazu müssen wir uns den Resonanzfaktor ansehen, bei dem etwas in der Musik etwas in dir mitschwingt. Mit anderen Worten, reine Kommunikation vom Lied zur Seele.

Seelenresonanz

Unsere inneren Kompositionen unterscheiden sich; Wir haben nicht alle das gleiche emotionale Resonanzspektrum. Ein Lied kann nur mitschwingen, was mitschwingen soll, und wenn ein Teil des inneren Spektrums eines Menschen fehlt, werden die entsprechenden Eigenschaften des Liedes nicht bemerkt, geschweige denn gefühlt. Wie bei zwei Personen mit unterschiedlichen Arten von Farbenblindheit kann eine Person etwas in einem Lied sehen, das die andere nicht sehen kann, und umgekehrt. Diese Art von Unterschied beruht nicht auf einem Unterschied in der subjektiven Projektion oder Assoziation, sondern auf der inneren Wahrnehmung dessen, was objektiv da ist.

Worüber wir hier also wirklich sprechen, sind Seelenresonanzmerkmale, dh das einzigartige Spektrum an Emotionen, Erfahrungsthemen und Wegen zur Erfüllung, auf die Sie am tiefsten reagieren und nach denen Sie sich sehnen. Diese können Sie sehen, indem Sie sich die folgenden Fragen stellen:

• Was sind Ihre tiefsten Prioritäten?

• Was bringt dir die größte Erfüllung?

• Was motiviert deine Existenz?

• Was vervollständigt dich als Wesen?

Die Antworten können der Musik entsprechen, mit der Sie am meisten Resonanz haben. Esoterisch entsprechen die Antworten auf diese Fragen auch der „Geschichte Ihres Lebens“. Die gleichen Seelenresonanzmerkmale, die von Musik berührt werden, werden auch von Ihren inneren Reaktionen auf Lebensereignisse berührt. Tatsächlich sind es diese Resonanzeigenschaften, die solche Ereignisse in erster Linie durch quantenmetaphysische Prozesse synchron anziehen. So teilen das Thema Ihres Lebens, die Natur Ihrer Seele und die musikalischen Qualitäten der Lieder, die Sie mit allen mitschwingen, die Korrespondenz.

Musikalische Textur

Musik kodiert die Reaktionen der Seele auf bestimmte Themen der Erfahrung oder Bereiche. Aber wie geht das? Lassen Sie uns die Komponenten der Musik untersuchen, beginnend mit der Textur.

Die Textur vermittelt Informationen über die Umgebung, Atmosphäre und Herkunft eines Klangs. Betrachten Sie das Geräusch eines Weinglases, das von einer Gabel getroffen wird, gegenüber dem Piepton eines Feueralarms auf derselben Tonhöhe. Dieselbe Musiknote kann über verschiedene Texturen unterschiedliche Einstellungen, Atmosphären und Ursprünge hervorrufen. Die Textur veranlasst das Gehirn, sensorische Daten aufzurufen, die durch Assoziation mit dieser Textur verknüpft sind.

Diese Assoziation geschieht auf verschiedene Arten:

• Konditionierung: Wenn das Klingeln eines Weinglases zuvor mit guten Zeiten bei einem Bankett in Verbindung gebracht wurde, könnte diese Textur ein Gefühl von Feierlichkeit, Eleganz und Glück hervorrufen. Aber es könnte genauso gut Terror hervorrufen, wenn der Verein durch eine traumatische Erfahrung aufgebaut würde.

• Instinkt: Nägel an einer Tafel rufen eine viszerale Reaktion auf einer tiefen physiologischen Ebene hervor. Das laute Brüllen eines Löwen, das schroffe Schreien eines wütenden Mannes oder das scharfe Zischen einer Schlange werden instinktiv als Gefahr verstanden, und daher werden Babys bei diesen Geräuschen weinen, ohne zuvor Schaden von ihnen erfahren zu haben. In unserer Biologie oder sogar in unserem kollektiven Unbewussten ist etwas evolutionär kodiert, das uns dazu bringt, auf bestimmte Texturen auf bestimmte Weise zu reagieren. Es ist das klangliche Äquivalent zur Angst vor Schlangen und Spinnen bei Menschen, die noch nie von einem verletzt wurden.

• Ähnlichkeit: Wenn die Textur eines Klangs der eines anderen ähnelt, werden die Merkmale des letzteren mit dem ersten assoziiert. Zum Beispiel ähnelt die Textur einer verzerrten Gitarre der von brutzelndem Öl, rauschendem Wasser oder dem Dröhnen einer Menschenmenge und ruft so Eindrücke von Energie und Kraft hervor. Die Textur des Fagotts ähnelt der Stimme von jemandem mit einer verstopften Nase, daher erinnert das Fagott an nasenorientierte Bilder wie einen Hummelgnom mit einer großen Nase.

Was genau macht Textur aus? Es hat mit dem einzigartigen Fingerabdruck harmonischer Obertöne zu tun, die auf der Grundfrequenz eines Tons liegen, und wie sich diese im Laufe der Zeit entwickeln oder abklingen. Einige digitale Synthesizer verwenden dieses Prinzip, um mehrere Frequenzen (Grundlagen und Harmonische) zu kombinieren, um eine einzigartige Textur zu erzeugen, die der einer Flöte, eines Klaviers, einer Gitarre, einer Trompete usw. nachempfunden ist.

Zwei Klänge mit derselben Tonhöhe haben dieselbe Grundfrequenz, aber ihre harmonischen Fingerabdrücke unterscheiden sich. Ein Weinglas oder eine Stimmgabel haben eine reine Grundwelle mit wenigen Obertönen, während eine verzerrte Gitarre viele Obertöne hat und somit bei gleicher Tonhöhe dicker oder reicher klingt.

Die Textur wird durch den Nachhall des Klangs weiter vermittelt. Reverb ’ähnelt Echo. Ein Klang, der in einer großen Steinkathedrale gespielt wird, hat einen langen, satten und dichten Nachhall gegenüber dem gleichen Klang, der in einem Aufzug gespielt wird. Reverb wird durch eine Änderung der harmonischen Obertonstruktur des Klangs erzeugt, wenn er mit der Umgebung interagiert. Stein, Metall, Holz, Kunststoff, Leder und Stoff absorbieren und reflektieren Geräusche unterschiedlich und subtrahieren bestimmte Obertöne von einem Geräusch, bevor sie zurück reflektiert werden. Der Abstand und Winkel dieser Oberflächen verändert die Amplitude und das Timing der einzelnen reflektierten Obertöne weiter. Auf diese Weise werden die Reflexionen je nach Art des Raums, in dem der Klang gespielt wird, auf einzigartige Weise verändert. Dies veranlasst das Gehirn, sich die Natur dieses Raums und damit die Umgebung und Atmosphäre vorzustellen. Hall ist also ein weiterer Aspekt der Textur, der ein Bild des Raums malt, in dem der Ton erklingt.

Wenn Sie also ein trommelndes Klavier mit viel Hall hören, denken Sie vielleicht an ein altes Klavier, das in einem großen heruntergekommenen Gebäude spielt, das durch die Assoziationen, die durch all die Horrorfilme aufgebaut wurden, die wir gesehen haben, einen Eindruck von Gruseligkeit, Geistern, Spukhäuser und so.

Textur ist nicht wirklich ein grundlegendes musikalisches Element, sondern ergänzt ein Lied lediglich durch informative Hinweise darauf, wie es interpretiert werden sollte. Musik ist nicht einmal eine Voraussetzung, da Textur allein einen momentanen Ton durch Assoziation in lebendige Bilder verwandeln kann. Daher ist die Textur an sich nicht in der Lage, die Seele direkt in Resonanz zu bringen. bestenfalls könnte es eine objektive viszerale Reaktion im Körper induzieren, z. Nägel an einer Tafel. Meistens ist Textur jedoch ein assoziatives Gerät, ein Zeichen, das zeigt.

Die Seele kann jedoch mit dem Thema der Erfahrung in Resonanz treten, das durch eine bestimmte Umgebung und Atmosphäre repräsentiert wird, die selbst durch die Textur des Klangs assoziativ hervorgerufen werden kann. Wenn Ihre Seele also mit Themen des klösterlichen spirituellen Lebens in Resonanz steht, kann die Textur eines Chorknaben, der eine Note in einem Raum singt, der wie eine Kathedrale klingt, Sie ansprechen. Die Resonanz, die Sie fühlen, hängt nicht mit der musikalischen Struktur dieser gesungenen Note zusammen, sondern mit dem Kontext, den ihre Textur darstellt.

Wenn wir herausfinden wollen, was in der Musik eine direkte Resonanz in der Seele erzeugt, müssen wir die Textur ausschalten, um zu verhindern, dass assoziatives Cueing als Ersatz fungiert. Wenn ein Lied die gleichen Gefühle hervorrufen kann, selbst wenn es nur von etwas so Elementarem wie Sinuswellen gespielt wird, dann muss es etwas enthalten, das seiner musikalischen Struktur innewohnt und entsprechende Resonanzpunkte in der Seele hervorruft.

Harmonie

Von den vier Komponenten (Textur, Rhythmus, Melodie und Harmonie) sind es Melodie und Harmonie, die die Seele direkt in Resonanz bringen. Melodie entsteht, wenn Töne nacheinander gespielt werden, Harmonie, wenn sie gleichzeitig gespielt werden. Melodie erzählt eine Geschichte, Harmonie gibt den Kontext oder Hintergrund für die Ereignisse dieser Geschichte. Zusammen kodieren sie ein bestimmtes Thema der Erfahrung, nämlich die zuvor erwähnte „Geschichte Ihres Lebens“.

Wenn wir einen einzelnen Ton oder eine einzelne Note erzeugen, wird wenig hervorgerufen, weil es an Kontext und Variation mangelt. Es ist einfach so. Wenn jedoch zwei Noten zusammen erklingen, bietet jede einen Kontext für die andere. Diese Kombination wird als Intervall bezeichnet, die einfachste Harmonie. Bei komplexeren Harmonien werden mehr Noten gleichzeitig gespielt, und diese werden als Akkorde bezeichnet.

In Harmonie umfassen die beteiligten Frequenzen ein bestimmtes Verhältnis. Wenn ein Ton aus Luftschwingungen besteht, die mit 200 Zyklen pro Sekunde und der andere mit 300 Zyklen pro Sekunde schwingen, bilden sie zusammen ein Frequenzverhältnis von 2: 3. Es ist dieses Verhältnis oder Intervall, das ein bestimmtes Gefühl trägt, wenn es wahrgenommen wird. Das 2: 3-Verhältnis (perfektes fünftes Intervall) hat ein königliches und kraftvolles Gefühl, 4: 5 (großes drittes Intervall) ein fröhliches und 5: 6 (kleines Drittel) eine düstere oder melancholische Farbe.

Akkorde, die aus mehreren übereinander gelegten Noten oder Intervallen bestehen, rufen eine noch reichhaltigere Palette von Gefühlen hervor… bis zu einem gewissen Punkt. Aus metaphysischer Sicht ist das reinste Intervall unisono, was nicht wirklich ein Intervall ist, sondern eine einzelne Frequenz. Zwei Töne im Einklang haben die gleiche Tonhöhe und sind daher Eins. Das nächst einfachere Intervall, 1: 2, ist die Oktave, die das Prinzip „Wie oben, so unten“ darstellt. Die nachfolgenden Intervalle von 2: 3, 3: 4, 4: 5 usw. klingen zunehmend dissonant, da sie die Verzerrungen von Eins (1: 1) erhöhen. Die Leser der Law of One-Reihe werden mit dem Konzept der Verzerrung vertraut sein.

Gleiches gilt für Akkorde. Je komplexer der Akkord ist, desto mehr Dissonanzen und unreine Verhältnisse sind beteiligt. Wenn wir den siebten, neunten, elften und dreizehnten Akkord erreichen, sind wir ziemlich weit vom metaphysischen Bereich entfernt und befinden uns nun fest in der Arena des Lebens, die im physischen Bereich verankert ist. Diese Akkorde rufen Gefühle hervor, die die Verzerrungen der Seele im Leben in 3D widerspiegeln. Diese Akkorde haben “Charakter”, genauso wie eine Person “die einige Dinge durchgemacht hat” oder ein kaputtes rostiges Auto Charakter haben soll. Es ist keine Überraschung, dass Blues, Jazz und klassischer Rock diese Akkorde häufig verwenden.

Wenn noch weitere Intervalle hinzugefügt würden, so dass ein Akkord aus Dutzenden, wenn nicht Hunderten von Noten in den seltsamsten und dissonantesten Intervallen bestand, würde dies eine Verzerrung darstellen, die so weit von der Göttlichkeit entfernt ist, dass sie wie Materie selbst klingt. In der Tat geben Atome, Moleküle, Sterne und Planeten Schwingungen ab, die diesen Charakter aufweisen.

Um es noch einmal zusammenzufassen: Harmonie ohne Melodie, Rhythmus und Textur kann immer noch ein Gefühl in der Seele hervorrufen, das durch ein kleines Intervall oder einen Akkord belegt wird, der traurig oder glücklich klingt. Wie kommt es, dass Traurigkeit nur durch zwei Zahlen kodiert wird: 5 und 6? Ist es nicht erstaunlich, dass etwas so subjektiv, reich und tiefgreifend wie menschliche Emotionen untrennbar mit etwas so Kaltem, Objektivem und Intellektuellem wie Mathematik verbunden ist? Das ist das Paradox der Musik. Musik ist eindeutig eine Brücke zwischen Physik und Metaphysik.

Melodie

Während Harmonie das vertikale Stapeln von Tönen ist, ist Melodie ihre sequentielle Anordnung. Die Melodie hängt von der Zeit ab, da die Noten nacheinander kommen und jeweils eine bestimmte Dauer haben. Daher haben Melodien automatisch auch ein Rhythmuselement. Wie bereits erläutert, ist der Rhythmus mit dem physischen Körper verbunden. Es ist eine Parallele zum Pumpen des Herzens, zur Wiederholung des Atems, zum Stampfen der Füße, zur Bewegung der Hände in der Luft und zum Tempo der Sprache. Es ist bekannt, dass schnellere Songtempi diese beschleunigen, langsamere verlangsamen Tempi können.

Beachten Sie, dass lineare Zeit und physische Körper die beiden Dinge sind, die zusammen definieren, was es bedeutet, eine körperliche Existenz zu haben. Sie haben einen Körper mit all seinen rhythmischen biologischen Mustern und leben das Leben von einem Ereignis zum nächsten. Melodie und Rhythmus sind also die beiden Aspekte der Musik, die parallel auf der physischen und der ätherischen Ebene auftreten.

Harmonie ist transzendent

Reine Harmonie hingegen ist zeitlos und körperlos. Das Verhältnis zwischen zwei Frequenzen ist eine dimensionslose Konstante. Es ist unabhängig von Zeit, Raum, Dimension und Größe. Es spielt keine Rolle, ob die Frequenzen niedrig oder hoch sind, ob die Vibration in Luft, Wasser oder Äther stattfindet. Ein Verhältnis ist ein Verhältnis unabhängig von diesen Variablen. Selbst auf der Oberfläche eines Schwarzen Lochs, wo sich der Raum auf Null und die Zeit auf Unendlich zusammengezogen hat, bleibt das Verhältnis intakt.

Somit sind Harmonie und die damit verbundenen Gefühle transzendent. Sie existieren jenseits von Raum und Zeit. Auf diese Weise kann Harmonie durch die Ebenen der Existenz nach oben gelangen und die höhere Hälfte der Seele stimulieren, nämlich den Astralkörper, der im Gegensatz zum Ätherkörper unabhängig von linearer Zeit und Raum ist.

Harmonie ist eine astrale Sprache. Es ist bekannt, dass der Astralkörper in der okkulten Überlieferung archetypische Muster enthält, und vermutlich hat jeder ein entsprechendes musikalisches Muster. Diese archetypischen Muster sind genau die zuvor diskutierten Seelenresonanzmerkmale.

Wenn eine Harmonie in eine andere übergeht, bedeutet dies eine Veränderung des Zustands des Astralkörpers, sei es aufgrund einer Erfahrung, die eine bestimmte Reaktion hervorruft, oder aufgrund einer Veränderung der Wahrnehmung einer bestimmten Situation durch die Seele.

Während Melodien die äußeren Ereignisse des Lebens aufzeichnen, beschreiben Harmonien den inneren Subtext sowie den metaphysischen Kontext hinter dem Schleier für diese Erfahrungen. Harmonie liefert den inneren Strom des Bewusstseins, Melodie das visuelle Storyboard.

Der Kontext ist wichtig. Zur Veranschaulichung kodiert eine glückliche melodische Progression, gepaart mit trauriger zugrunde liegender Harmonie, Trauer, die unter unbeschwerten Erscheinungen lauert. Jemand strebt nach Sieg und zaubert ein Lächeln, aber tief im Inneren wissen sie, dass alles umsonst ist. Das Ende ist eine Tragödie. Diese bittersüße Gegenüberstellung ist ein starkes Mittel, das in vielen Songs verwendet wird.

Melodie und Harmonie kodieren also jeweils innere und äußere Erfahrungsströme. Die Art und Weise, wie diese sich gegenseitig ausspielen, fängt die Essenz eines bestimmten Bereichs ein. Wenn Sie mit bestimmter Musik mitschwingen, schwingen Sie mit dem Bereich mit, den sie verkörpert, und das sagt etwas über Ihre Seele aus.

Monophone Musik

Nicht alle Kulturen verwenden eine reiche Harmonie in ihrer traditionellen Musik. Einige betonen nur Melodie und Rhythmus. Diese Art von Musik wird als monophon bezeichnet und bedeutet Melodie ohne begleitende harmonische Abläufe.

Ein Beispiel ist die klassische indische Musik, bei der eine einsame Melodie auf einem stetigen Brummen spielt. Andere Beispiele für monophone Musik sind irischer Dudelsack, einige Formen des tuvanischen Halsgesangs, frühmittelalterliche liturgische Gesänge sowie türkische und nahöstliche Musik. Heutzutage ist es auch in vielen elektronischen Tracks zu finden, die sich eher auf Rhythmus und Textur als auf Melodie und Harmonie konzentrieren. Diese Tracks füllen die Klanglücke mit einer darunter liegenden Brummen oder einer rhythmischen monophonen Basslinie.

In der traditionellen monophonen Musik fungiert das Brummen als fester Bezugspunkt, wodurch die Melodie klarer unterschieden werden kann. Ohne sie werden Noten in einer Melodie entweder in Bezug zueinander oder relativ zu einer imaginären Grundlinie gehört, die sich möglicherweise von der vom Songwriter beabsichtigten unterscheidet.

Wenn wir jedoch das Brummen auf G # ändern und das Experiment wiederholen, verschwindet der traurige Effekt. Warum? Weil das Gehirn C nicht mehr wie zuvor der Note D # gegenüberstellt, um ein traurig klingendes Moll-Drittel zu erzeugen. Vielmehr hört es zuerst das Intervall G #: C (perfekter vierter) und dann G #: D # (perfekter fünfter) – beides klingt nicht traurig. Somit fungiert das Brummen als „Tonzentrum“, das einer Melodie Orientierung gibt. Ein anderes Tonzentrum gibt eine andere Interpretation einer Melodie.

Atonale Musik

Melodien, die kein tonales Zentrum haben und deren Noten keine offensichtliche Beziehung zueinander haben, haben keine Musikalität oder Harmonie, sei es explizit durch das Stapeln von Tönen oder impliziert durch das Nebeneinander von sequentiellen Noten im Gedächtnis. Wenn Harmonie mit dem Astralkörper und Melodie mit dem Ätherischen verbunden ist, dann repräsentiert atonale Musik einen Körper ohne beides. Es ist eine Reihe von Ereignissen, die von keiner bewussten und emotionalen Wahrnehmung durchdrungen werden. Erinnern Sie sich daran, dass in einigen Science-Fiction-Filmen die Geräusche, die ein Roboter oder Computer macht, normalerweise eine zufällige Reihe von Signaltönen waren, die für den Mangel an Empfindungsvermögen oder Menschlichkeit der Maschine repräsentativ sind.

Es spielt keine Rolle, ob die Noten nach einem abstrakten mathematischen Prinzip ausgewählt werden. Wenn sich das Prinzip nicht auf diejenigen bezieht, die in Geist, Seele und Körper aktiv sind, ist das Ergebnis nicht musikalisch. Wenn jemand eine Mahlzeit aus Periodensystemelementen kochen würde, deren Ordnungszahlen der Fibonacci-Sequenz (1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89) folgen, wäre dies unglaublich innovativ und eine Hommage an die goldenes Spiralprinzip der Natur, aber es wäre kein Essen und du würdest langsam daran sterben. Und doch sind Menschen geschickt darin, erworbene Geschmäcker für das zu entwickeln, was sie langsam tötet, wie Alkohol und Tabak, und das Gleiche gilt für bestimmte Musik.

Ist es dann überraschend, dass atonale Musik im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert in den Höhen der industriellen Revolution und des wissenschaftlichen Materialismus in Mode kam? Seine Anziehungskraft ist in erster Linie eine intellektuelle Intrige, aber der Faktor der Seelenresonanz fehlt, abgesehen von den Versuchen einiger, durch Dissonanz ein Gefühl von Angst und Entfremdung hervorzurufen.

Polyphone Musik

Im Vergleich zur östlichen monophonen Musik ist die meiste westliche Musik seit der Renaissance polyphon und nutzt die Harmonie in großem Maße. Intervalle verweben sich und / oder Akkorde schreiten mit den darauf gespielten Melodien fort. Während in der monophonen Musik die Grundlinie festgelegt ist, ändert sich hier die Grundlinie wie gewünscht, und daher ändert sich die Ausrichtung einer bestimmten Melodie entsprechend. Dieselbe Melodie kann unterschiedliche Perspektiven erhalten, je nachdem, welche Akkorde sie begleiten.

Für Hörer, die an monophone Musik gewöhnt sind, erzeugt die sich verändernde Grundlinie oder das sich ändernde Tonzentrum polyphoner Musik einen beunruhigenden, schwindelerregenden Effekt. Darin sind einige tiefgreifende Geheimnisse enthalten. Wie sich herausstellt, sind Kulturen, die monophone Musik mögen, auch solche, die der Tradition und der kulturellen Stabilität größte Bedeutung beimessen. Der konstante Ton repräsentiert unterschwellig den Grundton ihrer Kultur, die Linie, die jede Generation geht. Man kann sagen, dass das Tonzentrum der Grundstein eines bestimmten Bereichs ist, der primäre numerische Index, der diesen Bereich von einem anderen unterscheidet. Dies ist nicht offensichtlicher als im Hinduismus, wo die Silbe „Om“ das zugrunde liegende Brummen der Realität sein soll, die Schwingung, die unsere manifestierte Existenz hervorruft. Es ist das Summen des Logos, wenn er die Schöpfung durch den Demiurgen kymatisch ins Dasein singt.

Schlüsselmodulation

Was bedeutet es dann für ein Tonzentrum, sich zu ändern? Wenn jedes Tonzentrum die Grundlinie seines eigenen Bereichs ist, stellt eine Änderung einen Übergang von einem Bereich in einen anderen dar.

Beachten Sie, wie dasselbe Lebensereignis aus verschiedenen Perspektiven betrachtet werden kann, je nachdem, in welchem Bereich oder in welcher Perspektive Ihr Bewusstsein verwurzelt ist. Wenn Sie in Materialismus und Eitelkeit verwurzelt sind, ist es verheerend, Ihren Körper bei einem Bootsunfall zu verlieren. Wenn Sie stattdessen in Ihrem höheren spirituellen Geist verwurzelt sind, können Sie dies als den natürlichen Abschluss eines gut geplanten Lehrplans ansehen. Auf die gleiche Weise kann eine Melodie je nach zugrunde liegender Harmonie und Klangzentrum unterschiedliche Farbtöne annehmen.

Bei jeder Tonhöhe können Sie jetzt eine Notenskala erstellen, indem Sie die Frequenz mit verschiedenen Verhältnissen multiplizieren. Diese Tonhöhe wird dann zum Tonzentrum (oder Tonikum) dieser Skala. Durch Stapeln verschiedener Noten dieser Skala können Sie Akkorde erstellen. Sowohl die Tonleiter als auch die Akkorde sind in diesem Tonzentrum verwurzelt. Wenn also ein Lied als „in der Tonart C-Dur“ bezeichnet wird, bedeutet dies, dass sein Tonzentrum C ist und die Tonleiter, aus der die Akkorde und Melodien aufgebaut sind, die Dur-Tonleiter ist.

Im Gegensatz dazu behält monophone Musik während eines Songs die gleiche Tonart bei, ertönt ständig das Tonikum und spielt nur eine Melodielinie. Das genaue Gegenteil gilt für polyphone Musik. Es kann die Tonart ändern, nicht immer das Tonikum erklingen lassen, Noten in Akkorde stapeln und mehrere miteinander verwobene Melodien gleichzeitig spielen.

Wenn sich die Tonart während eines Songs ändert, wird dies als Schlüsselmodulation bezeichnet. es bedeutet, das oben erwähnte Tonzentrum während eines Songs zu verschieben, manchmal sogar innerhalb derselben Melodie oder musikalischen Phrase. Melodien selbst können sich außerhalb der Skala verirren, in der sie begonnen haben. Eine Melodie kann in der fröhlich klingenden Dur-Tonleiter aufsteigen und in der traurig klingenden Moll-Tonleiter absteigen. Die Akkorde, die die Melodie begleiten, können sich auf Wunsch auch von einer Tonart zur anderen wechseln.

Die Kraft der polyphonen Musik

Modulation ist der Übergang zwischen musikalischen Universen. Es bringt dich aus einem Reich in ein anderes.

Die rudimentärste Form der Modulation, die häufig in Pop-Balladen verwendet wird, ist die, bei der sich ein Chor wiederholt, die Tonhöhe jedoch um einige Intervalle erhöht wird. Dies wird humorvoll als “Trucker-Gangschaltung” bezeichnet. Es ist ein Klischee, das wir alle gehört haben: Gerade wenn man denkt, das Lied könnte nicht saftiger werden, springt es in der Tonhöhe (normalerweise nach einer dramatischen Pause) und dann schwenkt die Kamera zu einer Frau im Publikum, die eine Träne vergießt Die Menge jubelt und der Sänger jammert weiter. Das Anheben des Tonzentrums durchbricht die Schallmauer und erreicht eine völlig neue Intensität. Das ist nur ein Beispiel für Modulation.

Wenn eine Melodie in derselben Tonleiter bleibt und die zugehörigen Akkorde in derselben Tonart fortschreiten, bleibt das Lied im selben Bereich begrenzt. Jede Resonanz, die dieses Lied in der Seele hervorruft, gehört zum selben Set. Diese Resonanzen sind parallele Erfahrungen, die nur in einem Bereich stattfinden. Es hat seine Verwendung, kann aber etwas eindimensional sein. Monophone Musik ist eine extreme Form davon.

Es ist daher sinnvoll, dass die westliche Zivilisation den größten Umsatz in kulturellen, politischen, wissenschaftlichen und sozialen Paradigmen verzeichnet hat. Denken Sie nur daran, wie viel sich seit dem späten Mittelalter, seit der Geburt der polyphonen Musik in der westlichen Kultur, verändert hat. Die westliche Gesellschaft ist keine monophone Kultur, die an einer alten Tonart festhält und in einem Bereich verankert bleibt. Sie ist so flüchtig wie ihre Musik.

Da die Modulation eine Bewegung von einem Akkord oder Intervall zu einem anderen mit einer anderen Tonleiter und / oder einem anderen Tonzentrum beinhaltet, gibt es, da es viele Akkorde und Intervalle gibt, eine noch größere Anzahl möglicher Modulationen. Und jede dieser Modulationen hat auch ein einzigartiges Gefühl.

Zusätzlich zu einfachen Intervallen oder Akkorden, die jeweils ein eigenes Gefühl haben, hat ein bestimmter Übergang von einem zum anderen auch ein einzigartiges Gefühl, und dies schließt Übergänge von einem Akkord in einer Tonart oder einem musikalischen Universum zu einem anderen ein. Die tiefgreifende Folgerung ist, dass, da selbst letztere Resonanz in der Seele hervorrufen können, die Seele in gewisser Weise mit dem Übergang zwischen den Bereichen vertraut sein muss.

Die Gangschaltung des Truckers ist beliebt, weil sie das Erreichen eines neuen Plateaus im Leben darstellt, was auf der Erde normalerweise bedeutet, ein neues Niveau an Erfolg, Verwirklichung oder Triumph zu erreichen. Das ist eine Spitzenerfahrung, nach der viele Seelen, die hier inkarnieren, zu streben scheinen. Es ist der Übergang von einem geringeren zu einem aufregenderen Erfahrungsbereich. Da dies ein so häufiges Thema bei menschlichen Inkarnationen ist, ist das Potenzial, mit der entsprechenden Modulation in Resonanz zu treten, ebenso häufig. Daher seine Verwendung in der Popmusik, um Sentimentalität und damit Einnahmen aufzubauen und zu verstärken.

Andere Modulationen sind weniger bekannt. Der Wechsel von C: G nach C #: F # (oder E: B nach F: A # wie im Beispiel) hat ein dunkles, mystisches, okkultes Gefühl. Dies ist teilweise auf die Beteiligung eines Intervalls zurückzuführen, das als erweitertes viertes bekannt ist und auf dem Tritonakkord basiert, den die mittelalterliche Kirche verboten hat, weil er zu teuflisch klingt.

Was auch immer diese Modulationsparallelen erleben, sie sind nicht auf die irdische Domäne beschränkt. Aber die Tatsache, dass wir überhaupt darauf reagieren können, zeigt, dass unsere Seelen dunklen, mystischen, okkulten Bereichen ausgesetzt waren. Wenn wir dieses Gefühl wirklich genießen, muss die Resonanz besonders intensiv sein, und vielleicht haben wir einen Fuß in dieser anderen Welt. Wenn wir uns nur seltsam fühlen und davor zurückschrecken, haben wir vielleicht einen Blick auf diese Bereiche erhascht und bevorzugen den Komfort unseres Lebens zu Hause.

Daher finden wir häufig die Tritone- oder C: G- bis C #: F # Modulation, die in Gothic, Black- oder Doom-Metal verwendet wird, aber fast nie in Country-Musik oder Pop-Balladen, da letztere fest im Alltag der Erde verankert sind. Beachten Sie, dass der Tritonus oder der erweiterte vierte nur dann diabolisch ist, wenn er gleichzeitig erklingt oder als Melodie in derselben Tonart gespielt wird, da diese Gegenüberstellung ihre inhärente Dissonanz hervorhebt. Dunkle Musik benutzt dies, um Untergang oder Angst zu implizieren. Aber in einer modulierenden Sequenz wie C: G bis C #: F # neutralisieren sich zwei erweiterte Viertel (eines von niedrig nach hoch, das andere von hoch nach niedrig) gegenseitig wie eine Materie-Antimaterie-Kollision und erzeugen stattdessen ein unheimliches musikalisches Wurmloch dazwischen Bereiche. Deshalb ist diese Akkordfolge der Inbegriff des Realm-Übergangs.

Seltsame Modulationen finden sich auch in Horror- und Fantasy-Film-Soundtracks. Das Harry-Potter-Thema von John Williams ist sehr bemüht, auf eine Weise zu modulieren, die ein Gefühl von Okkultismus, Magie und mystischem Staunen hervorruft.

Andere Modulationen sind auf unschuldige elfenhafte, elementare oder sylvanische Weise nur seltsam. Ein Beispiel ist C: E bis D #: G. Da dies zwei große dritte (glückliche) Intervalle sind, in denen kein böser Triton zu finden ist, sind sie jenseitig, aber in einem unbeschwerteren Sinne.

Die Kraft der monophonen Musik

Das heißt nicht, dass monophone Musik mit ihrer Abwesenheit von Harmonie und Modulation minderwertig ist. Was ihm an der Fähigkeit fehlt, den Astralkörper zu bewegen, gewinnt er an der Stimulierung des ätherischen und physischen Körpers. Die Monophonie hat eine geheime Wissenschaft, die es ihr ermöglicht, die Körperlichkeit durch Manipulation des ätherischen Vermittlers oder die Physiologie durch Manipulation der neuronalen Schaltkreise und des Ätherkörpers auf tiefer Ebene zu verändern.

Es ist bekannt, dass die Häufigkeit und Textur eines Tons das Pflanzenwachstum und die Gesundheit des menschlichen Körpers positiv oder negativ beeinflusst. Hinduistische und chinesische Legenden sprechen von Musik, die verwendet wird, um das Wetter zu verändern und sogar menschliche Verbrennung zu induzieren. Gurdjieff diskutierte “objektive Musik” und “innere Oktaven”. In der Eröffnungsszene von Gurdjieffs Biopic Meetings with Remarkable Men sehen wir einen Musiker, der Canyon-Steine durch Obertongesang in Anregung versetzt. Vielleicht wusste der Filmemacher etwas über diese Technik. Obertongesang ist das Summen einer Note und das Ändern der Mund- / Zahn- / Lippenposition, um bestimmte Harmonien herauszufiltern, wodurch der Effekt einer hohen Melodie erzeugt wird, die wie bei Dudelsäcken auf einem Brummen wandert. Asiatischer Obertongesang und irischer Dudelsack sind wahrscheinlich Überbleibsel aus einer Zeit, als Monophonie zur Manipulation physischer Materie eingesetzt wurde. Tibetische Mönche haben angeblich demonstriert, wie sie mit der Kraft des Klangs einen schweren Felsbrocken mehrere hundert Fuß in die Luft schweben ließen.

Während das Brummen ertönt, bildet jede Note in einer Melodie ein bestimmtes Intervall in Bezug darauf. Einige uns bekannte Intervalle, wie das Frequenzverhältnis von 5: 6, das das traurige kleine dritte Intervall umfasst. Andere Intervalle klingen so, als wäre die Stimmung ausgeschaltet, aber tatsächlich bestehen sie aus der Drohne und einer mikrotonalen Note, die nicht in unserer chromatischen Zwölftonskala enthalten ist, die laut hinduistischer Musiktheorie dennoch eine bestimmte und einzigartige Farbe oder Wirkung hat.

Die Melodien in der monophonen Musik durchlaufen solche Intervalle normalerweise ziemlich schnell, ohne sich damit zu beschäftigen, wo Harmonie im Vordergrund steht. Der Hörer hört in erster Linie die Melodie. Dies ermöglicht das akustische Äquivalent der Akupunktur, bei der jede Note wie eine Nadel ist, die an einem bestimmten Meridianpunkt positioniert ist, um eine bestimmte Funktion zu aktivieren. Um eine Erkrankung zu behandeln, verwendet die Akupunktur einen Satz solcher Nadeln an Meridianpunkten, die mit dieser Erkrankung zusammenhängen. Ebenso verwenden die als Ragas bekannten hinduistischen Lieder eine bestimmte Skala und ein bestimmtes rhythmisches Muster, von denen bekannt ist, dass sie gemeinsam bestimmte Auswirkungen auf den Hörer haben.

Alle diese Leistungen wurden durch monophone Musik vollbracht. Wie bereits erwähnt, wirkt sich die Melodie auf den ätherischen und physischen Körper aus und bezieht sich auf Ereignisse der Außenwelt. Menschen mit okkultem Wissen haben dieses Prinzip auf ein Extrem gebracht, um den Körper zu heilen oder zu schädigen und Materie, Energie, Raum und Zeit zu manipulieren.

Wie Sie sehen können, kann Musik auch ohne Harmonie ziemlich kraftvoll sein, wenn sie nach einer geheimen Wissenschaft entwickelt wird. Ohne diese Wissenschaft ist Musik in ihren objektiven Wirkungen ungenau oder zufällig.

Aber woraus genau diese geheime Wissenschaft besteht, bleibt ein Rätsel. Dennoch hat Alain Daniélou viel zu seiner Entschlüsselung beigetragen. In seinem Buch „Musik und die Kraft des Klangs“ zeigt Daniélou, wie hinduistische, griechische, arabische, chinesische und westliche Musiksysteme von einem gemeinsamen Metasystem abgeleitet sind. Zum Beispiel sind die in der westlichen Musik verwendeten Noten, Skalen und Akkorde nur eine kleine Teilmenge aller in diesem Metasystem verfügbaren Noten. Arabische Musik wählt eine andere Untergruppe, chinesische noch eine andere.

Indische klassische Musik ist die raffinierteste und vollständigste, da sie Noten verwendet, die es in der westlichen Musiktheorie nicht einmal gibt. Es werden Mikrotöne verwendet, dh Noten, die sich zwischen den uns bekannten Noten befinden. Dies ist, was Gurdjieff mit „inneren Oktaven“ meinte, nämlich das Spektrum der Mikrotöne zwischen den Noten.

Im besten Fall verwendet westliche Musik Mikrotöne auf grobe Weise, wenn Noten durch Biegen, Verwischen oder Vibrieren hervorgehoben werden. Schlagzeuger machen eine äquivalente Technik mit Rhythmus, wenn sie absichtlich vor oder hinter einem Schlag auf bestimmten Noten spielen und dabei den Rhythmus auf mikroskopische Weise ändern, um einen unterschwelligen Groove zu verleihen, der einen ansonsten klinischen Schlag lebendig werden lässt. Solche Akzente verleihen der Musik ein Gefühl der Leidenschaft. Gute Künstler verwenden sowohl mikrotonale als auch mikrotimende Variationen, um der Musik, die sie spielen, „Soul“ und „Groove“ zu verleihen. [Dies ist eine direkte Parallele zur subtilen Expansion und Kontraktion von Elektronenorbitalen in Atomen, die mit der Erzeugung und Absorption von longitudinalen oder skalaren Wellen einhergeht, die biologisch und ätherisch aktiv sind (buchstäblich der Geist in der Schale). Diese Ausdehnungen oder Kontraktionen liegen unter der Schwelle dessen, was einen Sprung in die Umlaufbahn und die Erzeugung oder Absorption einer regelmäßigen transversalen EM-Welle (Photonen) auslösen würde, daher sind ihre Auswirkungen subelektromagnetisch, subquanten oder virtuell. Dasselbe kann in der Musik getan werden, indem das Timing oder die Tonhöhe subtil von ihrem gemeinsamen Wert gebogen werden, anstatt vollständig abzuweichen, was einfach eine andere gemeinsame Note oder einen anderen Beat erzeugen würde].

Genau diese Leidenschaft möchte die monophone Musik der Hindus mit dem Biegen von Noten und der Verwendung von Mikrotönen, die der westlichen Musik fremd sind, ansprechen. Diese Leidenschaft ist jedoch nicht ganz die gleiche wie die vollmundigen Gefühle, die nur Harmonie mit sich bringt. Es findet auf einer anderen Ebene der Seele statt, eher instinktiv oder reflexiv als introspektiv. Die Antwort „Leidenschaft“ und „Seele“ entsteht an der Grenze zwischen Ätherischem und Astralem, die nicht ganz auf dem Niveau liegt, das durch weitreichende Emotionen und epische archetypische Themen stimuliert wird, die durch Harmonie und Modulation in der polyphonen Musik mitschwingen. Ohne abwertende Konnotationen liegt es eher auf der viszeralen Reflexionsebene dessen, was Tiere fühlen. Tiere haben Äther- und Astralkörper, aber ihre Astralkörper sind nicht so entwickelt wie die des Menschen. Deshalb bilden menschliche Gefühle eine Obermenge dessen, was Katzen und Hunde erleben.

Die melodischen und rhythmischen Akzente, die monophone Musik Noten hinzufügt, um Gefühl und Leidenschaft zu erzeugen, teilen einen Mechanismus, der mit Tierstimmen gemeinsam ist. Wir können Katzenmiauen verstehen, weil solche Akzente für Säugetiere relativ universell sind. Wir können ein trauriges Miauen von einem glücklichen, von einem Fragezeichen, von einem Ausrufezeichen, von einem leidenschaftlichen Stöhnen usw. unterscheiden. Wir teilen dieselben Beugungen, die in unsere Rede integriert sind. Denken Sie an alle Möglichkeiten, wie „hmm“ gesprochen werden kann, um unterschiedliche Bedeutungen zu vermitteln. Rock- und Blues-Vocals legen großen Wert auf solche Betonungen, um Haltung, Leidenschaft oder Qual zu vermitteln, ähnlich wie stöhnende Katzen oder knurrende Hunde, nur mit Texten.

Interessanterweise heulen Hunde, um bestimmte Noten herauszubringen, und Katzen reagieren auf bestimmte melodische Betonungen, die auf einer Gitarre gespielt werden, aber auch nicht auf Intervalle, Harmonien oder Akkordfolgen. Doch die Menschen reagieren auf all dies. Es liegt auf der Hand, dass es noch höhere Wesen gibt, deren Gefühle Obermengen von uns sind und die Dinge fühlen können, die die meisten Menschen nicht fühlen können. Und doch sollten ihre Gefühle auch in Musik kodierbar sein. Wenn Sie solche Musik hören würden, könnten möglicherweise nichtmenschliche Gefühle in Ihnen angeregt werden, wenn sie in embryonaler Form in Ihrer Seele vorhanden sind. Vielleicht ist es das, was bestimmte seltsam klingende Modulationen erreichen.

Alte Musik

In der hinduistischen Musik sind die Tonleiter und ihr Timing und Vibrato absichtlich und spezifisch. Untersuchungen legen nahe, dass die alte vedische Kultur ihr Wissen und Erbe von den arischen Hethitern erhalten hat, die im ersten Jahrtausend v. Chr. In Indien einmarschierten. (siehe die Werke von L. A. Waddell). Diese Hethiter stammten von noch früheren proto-hethitisch-phönizischen Amoriten ab, die über globale Navigation und Megalithtechnologie verfügten und daher sicherlich die geheime Wissenschaft des Klangs kannten. Sie gründeten auch die alten Zivilisationen der Maya, Chinesen, Minoer, Sumerer und Ägypter und besaßen umfangreiche Kenntnisse in Mathematik, Musik und anderen Künsten und Wissenschaften.

Das Metasystem der Musik, das Daniélou untersuchte, mag seit mehreren tausend Jahren bekannt sein, aber kulturelle Fragmentierung führte zu musikalischer Fragmentierung außerhalb des Metasystems. Vielleicht wurde dies absichtlich gemacht. Vielleicht wurde westliche Musik verdeckt in eine mögliche polyphone Form verwandelt, wobei eine gleichmäßige Temperamentstimmung das Spielen von Harmonie in verschiedenen Tonarten ermöglichte, um einen schnellen kulturellen, sozialen, politischen und wissenschaftlichen Umsatz zu induzieren. Wenn Europa bei der Monophonie geblieben wäre, würden wir vielleicht immer noch Esel reiten.

Im alten China war die Musik stark reguliert, um sicherzustellen, dass alle Instrumente auf ein bestimmtes Klangzentrum gestimmt waren und nur bestimmte Skalen verwendet wurden. Dies verewigte die Stabilität der Zivilisation. Es heißt, als ausländische Musiker in einer Region populär wurden oder lokale Musiker beschlossen, Innovationen zu entwickeln und andere Maßstäbe zu spielen, litt die lokale Kultur unter einem Rückgang von Ordnung, Gesundheit und Moral.

Auch Platon war sich dieses Problems bewusst und beklagte sich darüber, dass „unsere Musik einst in ihre richtigen Formen unterteilt war. Es war nicht erlaubt, die melodischen Stile dieser etablierten und anderer Formen auszutauschen. Wissen und fundiertes Urteilsvermögen bestraften den Ungehorsam. Es gab keine Pfeifen, unmusikalische Geräuschkulisse der Zuhörer oder Klatschen und Applaus. Die Regel war, still zuzuhören und zu lernen. Die Menge wurde durch die Androhung des Stocks zur Ordnung angehalten. Aber später wurde eine unmusikalische Anarchie von Poeten eingeführt, die natürliches Talent hatten, aber die Gesetze der Musik nicht kannten. Ihre Dummheit ließ sie denken, dass es in der Musik keinen richtigen oder falschen Weg gibt, dass sie nach dem Vergnügen, das sie bereitet, als gut oder schlecht beurteilt werden kann. “

Klassische Musik

Dies stellt natürlich die Auswirkungen moderner und sogar klassischer Musik in Frage. Es mag überraschen, dass nicht alle westliche klassische Musik gut und gesund ist. Jeder Stil der Klassik zielte auf seine jeweiligen Zonen innerhalb der Seele ab, einige höher oder niedriger als andere. Ausgehend von einem Höhepunkt im späten Mittelalter und in der Renaissance nahm die geistige Integrität von Kultur und Musik in den folgenden Jahrhunderten systematisch ab.

Das Mittelalter erstreckt sich von 400 bis 1400 n. Chr. Und umfasst den Aufstieg der Merowinger und der Könige von Großbritannien, historische Ereignisse im Zusammenhang mit dem Heiligen Gral, die Verbreitung von Ritterlichkeit und Alchemie, die Ausbreitung verschiedener gnostischer Sekten, den Bau der gotischen Kathedralen und den Aufstieg und Fall der Templer. Es umfasste auch die katholische Inquisition und die Kreuzzüge.

Frühmittelalterliche Musik war monophon. Die offizielle „geistliche“ Musik der damaligen Zeit bestand aus von der Kirche sanktioniertem Plainsong, der im wahrsten Sinne weder heilig noch musikalisch war. Gregorianische Gesänge waren zum Beispiel absichtlich minimalistisch und klar, um eine Anregung der Seele und des Geistes zu vermeiden, was individualistische „heidnische“ Gefühle geweckt haben könnte, die die absolute spirituelle Autorität der Kirche untergraben könnten.

Die frühmittelalterliche weltliche Musik wurde jedoch von arabischen und persischen Kulturen beeinflusst, deren Gesellschaften zu der Zeit, als Europa noch aus dem Mittelalter aufstieg, ein goldenes Zeitalter erlebten. Daher hatte die weltliche Musik des Mittelalters nahöstliche Elemente, obwohl sich die lyrischen Themen auf höfische Liebe und Heldentaten konzentrierten. Die gnostischen Troubadoure und Minnesänger, die die Gralslegenden propagierten, sangen in diesem Stil.

Insgesamt waren die kulturellen Höhepunkte des Mittelalters Reinheit, Heiligkeit, Hingabe und Ritterlichkeit. Dies sind die gleichen Themen, die in iranischen, indischen, skandinavischen und anderen indogermanischen Traditionen zu finden sind und die auf die alte protohethitisch-phönizisch-amoritische Zivilisation (4.000 v. Chr. Bis 1500 v. Chr.) zurückgehen, die in meiner Gnosis-Reihe als solche diskutiert wurde welche die ursprünglichen Träger des Gralssteins waren.

Grundformen der Harmonie, die zwischen 800 und 900 n. Chr. Entwickelt wurden, obwohl die Reifung komplexer Polyphonien mehrere Jahrhunderte dauerte. Die Kirche übernahm das, was in Mode war, und folglich wurde die liturgische Musik polyphon. Obwohl die Kirche das Hauptinstrument für eine solche heilige Polyphonie wurde, sprudelten geistige und gnostische Unterströmungen verdeckt durch diesen bedrückenden Rahmen. Und das nicht nur in der Musik, sondern auch in Literatur und Kunst, wie die Gralsgeschichten belegen, die christliche Themen an der Oberfläche trugen, aber im Kern gnostisch und hyperboreanisch waren, oder die alchemistischen Themen, die in den verschiedenen Statuen und Reliefs der gotischen Kathedralen kodiert sind.

Diese Art von polyphoner Musik, die im späten Mittelalter blühte und sich in der Renaissance und im frühen Barock zur Perfektion entwickelte, konzentrierte sich auf Harmonie auf höchstem Niveau und versuchte dadurch, den höchsten, den dem Geist am nächsten gelegenen Bereich des Astralkörpers zu stimulieren. Zu dieser Zeit schwang in geistlicher Musik die Fähigkeit zur spirituellen Hingabe durch reine Harmonien und Melodien mit.

Vielleicht hat derselbe Teil der Geheimwissenschaften hinter der heiligen Geometrie der Kathedralen oder der alchemistischen Tönung ihrer Buntglasfenster auch die darin durchgeführte Polyphonie hervorgerufen. Dies könnte ein Akt okkulter Kriegsführung gewesen sein, der darauf abzielte, die Tyrannei der Kirche zu untergraben. Wie das Hochladen eines Virus auf das Mutterschiff, indem ein transzendentes, gnostisches, individualistisches Element in die Architektur und Musik der Kirche eingebracht wird. Es wäre dann nur eine Frage der Zeit, bis dies zum neuen kulturellen Grundgedanken wird.

Genau das geschah während der Renaissance (1400-1600), als die individuelle Entwicklung zum höchsten göttlichen, künstlerischen, philosophischen und intellektuellen Potenzial eine größere Bedeutung erlangte als die strenge Unterwerfung unter die Kirche. Anstelle einer distanzierten Spiritualität fügte die Renaissance dem Göttlichen eine persönlichere menschliche Dimension hinzu. Der Brennpunkt verlagerte sich dabei vom Geist zur geistig-astralen Grenze, an der sich das höhere Ego befindet. Das höhere Ego repräsentiert das höchste Potenzial. Dies war die spirituelle Höhe der westlichen Musik, das goldene Mittel zwischen oben und unten, wo Komplexität nicht auf Kosten der Göttlichkeit ging. Diese Musik erreichte um 1500 ihren Höhepunkt mit dem französisch-flämischen Stil der heiligen und weltlichen Polyphonie.

In den folgenden Jahrhunderten wurden Virtuosität und Exzellenz bis zur intellektuellen Hybris vergöttert. Daher folgte auf die Renaissance das Zeitalter der Aufklärung (1600-1800), in dem die Vernunft zur höchsten Tugend wurde und alles abergläubische oder mystische in den Hintergrund trat. Die Wissenschaft verdunkelte die Philosophie und die Chemie verdrängte die Alchemie. Dies war eine Gegenreaktion zur tyrannischen Natur der Kirche in den vorangegangenen Jahrhunderten. Dabei warf es das Baby jedoch zunehmend mit dem Badewasser hinaus und verwarf mystische, heilige, spirituelle Impulse als symptomatisch für religiöse Ignoranz.

Die mit dem Zeitalter der Aufklärung verbundenen Musikstile, bekannt als Barock und Klassik, legten weniger Wert auf heilige spirituelle Impulse als auf die Erforschung der technischen Höhen dessen, was mit der westlichen Musiktheorie getan werden könnte, die dennoch etwas Verständliches, Logisches und Angenehmes hervorbrachte. Während der frühe Barock noch die geistigen Tugenden der Renaissance besaß, hatte sich der Fokus im späten Barock und in der Klassik vollständig vom höheren zum niedrigeren Ego oder Intellekt verlagert. Es war vielleicht die komplizierteste Musik, die jemals geschrieben wurde, aber es fehlte ein gewisses numinöses Leuchten.

Als Gegenreaktion zu dem faden Intellektualismus und den Konventionen der Klassik folgte die Romantik (1800-1900), deren Ziel es war, starke Emotionen und Sentimentalität hervorzurufen. Reiche Harmonien, Texturen und Melodien stimulierten zusammen das innere Gefühlsleben und weckten Sehnsüchte und Leidenschaften. Es stimulierte jedoch nur die mittleren und unteren Regionen des Astralkörpers, entweder direkt oder über Assoziation.

Während Barock und Klassik melodisch, angenehm und einprägsam waren, weil sie die Naturgesetze der Musik respektierten, verstieß die Romantik gegen die Konvention, brach die bis dahin festgelegten Regeln der Musiktheorie und tauchte in die dunkleren Regionen der menschlichen Existenz ein. Dies war das erste Mal, dass Elemente aus den unteren Astralebenen – die wahnsinnigen, verdrehten, dämonischen, wütenden, lustvollen Energien und Wesenheiten dort – möglicherweise in die klassische Musik eintreten konnten. Zum Guten oder Schlechten kanalisierte Beethoven seinen Astralkörper in seine Werke und gab ihnen dadurch eine heftige astrale Natur, fast bis zur luziferischen Manie in bestimmten Stücken.

Diese Ära romantisierte auch frühere kulturelle Themen wie die Gralslegende, aber da die spirituellen Einflüsse hinter diesen ursprünglichen Themen fehlten, konnte sie nur karikieren. Ein klassisches Beispiel ist Richard Wagners Parsifal, eine epische Oper, die lose auf Wolfram von Eschenbachs Gralsgedicht aus dem 12. Jahrhundert basiert.

Wagner brachte die Romantik zu seinem logischen Abschluss, indem er melodische und harmonische Eleganz und Einfachheit zugunsten von Texturen aufgab, die so reich und Akkorde so komplex waren (um Macht, Emotionen und epische Themen auf assoziative Weise auszudrücken), dass das, was unwissentlich resultierte, eine Art war des astralen „Hitzetodes“, eines Ertrinkens in Sentimentalität, eines Verschmierens von Emotionen in einen amorphen Nebel der Hysterie. Betrachten Sie seinen berühmten Tristan-Akkord, der aus dem erweiterten 4. (Horror, Angst), dem kleinen 3. (menschliche Traurigkeit) und dem erweiterten 6. (Nostalgie) bestand. Es ist der Klang einer schmachtenden Seele, die sich nach besseren Tagen sehnt. Kein Wunder, dass Lars von Trier es im gesamten Film Melancholia verwendet hat.

Der Impressionismus entstand dann Ende des 19. Jahrhunderts als Reaktion auf die pompöse, knallige, melodramatische Sentimentalität der Romantik. Ihr Ziel war es, subtil und unterschwellig auf den Hörer zu wirken. Der Impressionismus hat Melodien und traditionelle Harmonien beiseitegelassen. Vielmehr wurde die Musik zugunsten der Verwendung von Klang aufgegeben, um Reaktionen zu stimulieren, die unterhalb der Bewusstseinsschwelle stattfanden, wodurch bestimmte Stimmungen oder Atmosphären erzeugt wurden, die nicht immer in Worte gefasst werden konnten.

Man könnte sagen, der Impressionismus war ein Versuch objektiver Musik, aber nur auf physiologischer Ebene und willkürlich ohne Kenntnis der genauen Wissenschaft dahinter. Ebenso wie sich die impressionistische Kunst auf Licht konzentrierte, konzentrierte sich die impressionistische Musik auf den Klang. beide versuchten, Kunst und Musik auf das Niveau sensorischer Reize zu bringen.

Um die Wende des 20. Jahrhunderts war das einzige, was übrig blieb, alle Konventionen zu verwerfen und absichtlich nichts zu machen, was der traditionellen Musik ähnelte. Dies wurde von Arnold Schönberg und anderen Mitgliedern der atonal / expressionistischen Bewegung praktiziert. Atonale „Musik“ zielt darauf ab, Klänge zu erzeugen, die kein nachvollziehbares Tonzentrum haben. Keine Note erhält eine leicht identifizierbare harmonische oder melodische Verbindung zu einer anderen Note. Die einzige Emotion, die geweckt werden sollte, war ständige Angst und Unruhe durch unerbittliche Dissonanz.

Während einige es vielleicht intellektuell wegen seiner Neuheit genießen und sogar einen erworbenen Geschmack dafür entwickeln, bleibt es im Kern Musik ohne Musikalität, wie ein Körper ohne Seele. Am Ende drückte es aus, was das frühe 20. Jahrhundert definierte: Materialismus, Nihilismus, Rebellion, Brutalität, Zerstörung, Chaos, Terror, Leiden, Tod und Verlust des spirituellen Bewusstseins.

Okkulte Richtung

Obwohl vereinfacht, zeigt die obige Geschichte, wie die westliche Musik einem Weg von den höchsten zu dem Niedrigsten folgt: Geist, der dem Intellekt Platz macht, Intellekt dem Gefühl und Gefühl dem Unbewussten und Chaos. Oder in Rudolf Steiners Worten folgte es einem Weg von Christus über Ahriman über Luzifer bis Sorat. All dies innerhalb von fünf Jahrhunderten. Die Brennpunkte verfolgen einen linearen Abstieg durch die geistigen, geistigen, astralen, ätherischen und physischen Schichten des Menschen. Ist das nur Zufall?

Jede Bewegung war eine Reaktion auf die vorhergehende, nur einen Schritt tiefer in der metaphysischen Skala. Problem, Reaktion, Lösung. Diese dialektische Synthese erzeugte fortschreitende Zustände, die letztendlich einen Triumph der Materie über den Geist darstellten.

Es sollte nun klar sein, dass die Entwicklung der klassischen Musik entweder parallel oder direkt zu einem systematischen Niedergang der westlichen Zivilisation geführt hat.

Moderne Musik

Klassische Musik war durch die Technologie ihrer Zeit begrenzt. Die Pfeifenorgel war der angetriebenen Maschine am nächsten, da sie mit Dampf betrieben wurde, und die alten Meister verwendeten sie ausgiebig. Wenn elektrische und digitale Instrumente verfügbar gewesen wären, wären sie verwendet worden. Heute stehen uns nicht nur die traditionellen Instrumente zur Verfügung, sondern auch alle neuen, die die moderne Technologie bietet. Und moderne Musiker können sich nicht nur auf die Stile vergangener Jahrhunderte berufen, sondern auch neuere verwenden und sogar verschiedene Stile verschmelzen und Instrumente verschiedener Epochen nebeneinander stellen.

Daher ist die heutige Musik eher eine Obermenge der alten als eine bloße Fortsetzung. Es ist eine „Auferstehung“ des Alten, ergänzt durch das Neue. Dieselben Prinzipien, Quellen der Inspiration und okkulten Einflüsse, die animierte alte Musik noch zur Verfügung hat, stehen uns immer noch zur Verfügung, sofern der Musiker sie nutzen kann. Darüber hinaus haben wir jetzt zusätzliche Einflüsse, die es damals zumindest nicht in gleichem Maße gab. Gut oder schlecht, dies bedeutet, dass Musik heute mehr kann: mehr Göttlichkeit, mehr Jenseitigkeit, mehr Kraft, mehr Komplexität, mehr Textur, mehr Rhythmus, mehr Eleganz, aber auch mehr Dunkelheit, mehr Dämonismus, mehr Aggression oder mehr Manipulation durch die Absicht des Musikers.

Es würde den Rahmen dieses Artikels sprengen, die archetypischen Grundlagen und metaphysischen Effekte jedes modernen Genres und Subgenres zu analysieren. Diese lassen sich jedoch leicht anhand der der Musik beigefügten Texte und Grafiken ermitteln, da diese normalerweise nicht im Widerspruch stehen. Zum Beispiel gibt es keine Country-Alben über Ritter, die gegen Drachen kämpfen, Rap-Alben über Pickups und alte Feldwege oder Reggae-Alben über eine Roboter-Apokalypse. Lounge und Jazz spiegeln das Leben in der Stadt wider, Metal spiegelt verschiedene Permutationen von Macht wider, Punk spiegelt Jugend und Rebellion wider usw. Der Grund, warum ein Genre einen bestimmten Archetyp oder Erfahrungsbereich widerspiegelt, geht auf die zuvor erläuterten objektiven Resonanz- und subjektiven Assoziationsfaktoren zurück.

Musik seit dem frühen 20. Jahrhundert hat sich in Hunderte von Genres und Subgenres diversifiziert. Die Vielfalt ist so groß, dass wir moderne Musik nicht einfach deshalb als kategorisch abtun können, weil sie modern ist. Es spielen zu viele Faktoren eine Rolle.

Einige Faktoren sind auf die Neuheit der Zeit zurückzuführen. Es gibt elektronische Stile, die sich durch die Fähigkeiten von Synthesizern und Samplern auszeichnen. Und Metall wäre ohne die Erfindung von E-Gitarren und Verstärkern nicht entstanden. Neue kulturelle Elemente wie afrikanische Arbeiterlieder, Voodoo-Rhythmen und Bordellmusik, die die Grundlage für Blues, Jazz und abgeleitete Genres bildeten, sind ebenfalls in die Gleichung eingegangen. Der Unterschied zwischen europäischen und amerikanischen Stilen von Pop, Jazz, Rock, Metal usw. ist auf die stärkere Afrikanisierung des letzteren im 20. Jahrhundert zurückzuführen.

Andere Faktoren sind metaphysisch. Einige Musiker lassen sich möglicherweise unbewusst von früheren oder zukünftigen Leben inspirieren und konzentrieren sich in ihren Werken möglicherweise auf mittelalterliche Elemente, weil sie immer noch eine starke Verbindung zu diesem Leben und dieser Zeit haben. Es gibt neoklassische Komponisten, die im historischen Rückblick die alten Meister übertreffen und noch schönere und numinösere Werke hervorbringen können. Ein unerwartetes und wenig geschätztes, aber bemerkenswertes Beispiel sind moderne Videospiel-Soundtracks. Es hängt alles davon ab, welche Bereiche sie erschließen.

Einige Künstler hatten möglicherweise ein früheres Leben als Außerirdische, oder sie waren Engelwesen in menschlicher Form, und ihre Musik enthält ein jenseitiges Element, das andere Menschen in Resonanz bringt, die möglicherweise auch frühere Lebensbeziehungen zu diesem Bereich hatten. Durch die psionische Verbindung zwischen Künstler und Publikum und durch die Resonanzeigenschaften der Musik selbst können diese Künstler erhebende und befreiende Energien in die Welt senden.

Andere Musik ist rein kommerzieller Natur und wurde entwickelt, um das breiteste Publikum anzusprechen und das meiste Geld herauszuholen. Das ist die Definition von Popmusik. Einige werden von politischen Denkfabriken aus Gründen der Propaganda, der Kulturrevolution oder der kulturellen Unterdrückung entwickelt. Dann gibt es Individuen, die von Dämonen besessen sind oder an dämonischen Geheimgesellschaften teilnehmen, die Musik als Mittel nutzen, um Energie von Fans zu gewinnen und dämonische Schwingungen in das kollektive Unbewusste zu injizieren. Sie tun dies durch unterschwellige Botschaften und neurolinguistische Programmierung, durch Texturen, Rhythmen, Melodien und Harmonien, die die Resonanz mit dem dämonischen Bereich stimulieren, und durch die Verwendung des Liedes oder Musikvideos als okkultes Siegel, um das Publikum psionisch mit den Dämonen zu verbinden die den Künstler besetzen oder überschatten. Diese haben weitaus stärkere Auswirkungen auf den Hörer als beispielsweise, ob ein Song auf A 440 Hz oder A 432 Hz gestimmt ist.

Der Punkt ist, dass Sie beim Durchsuchen der Radiosender oder beim Surfen im Internet einen Klangmikrokosmos betrachten, der den riesigen Makrokosmos von Wesen, Bereichen, Dimensionen, Einflüssen und Energien widerspiegelt, die dem menschlichen Bewusstsein zugänglich sind. Vergangenheit, Zukunft, diese Welt, andere Welten, göttlich, dämonisch, menschlich, fremd, tierisch, kommerziell, organisch, roboterhaft – alles ist derzeit in musikalischer Form und mit einer potenziell größeren Intensität und Wiedergabetreue als je zuvor erhältlich.

Abgesehen davon, dass moderne Musik nur Unterhaltung, Spaß, bloße assoziative subkulturelle Identifikation ist, gibt es einen ernsteren Aspekt, bei dem Musik als Schlachtfeld für konkurrierende politische, okkulte, spirituelle und fremde Einflüsse dient.

Auf individueller Ebene geht es nicht so sehr darum, einen Menschen in etwas zu verwandeln, das er nicht ist – weil er etwas verabscheut und sich weigert, etwas anzuhören, mit dem er weder mitschwingt noch sich identifiziert -, sondern darum, das Beste oder Schlechteste in ihm oder ihr herauszuholen. Auf kollektiver Ebene kann eine Kultur mit hochstehenden Prinzipien jedoch über einige Generationen hinweg durch ihre Musik gründlich invertiert, unterwandert und pervertiert werden, da die meisten Kinder aus evolutionären Gründen leicht neu kultiviert werden können. Wie oben gezeigt, läuft diese Agenda seit einiger Zeit.

Zukünftige Musik

Wenn Menschen an futuristische Musik denken, stellen sie sich normalerweise etwas Raumartiges, Elektronisches und Roboterhaftes vor. Es ist natürlich anzunehmen, dass die Zukunft eine Erweiterung der Gegenwart ist. Da das bestimmende Merkmal des modernen Lebens die Technologie ist, wird die Zukunft dieselbe sein, nur mit noch mehr Technologie. Diese Erwartung wird jedoch zu sehr durch die Mängel des wissenschaftlichen Materialismus und des Transhumanismus belastet, deren einseitige Sicht der Existenz alles ausschließt, was außerhalb der gängigen Annahmen liegt. Es gibt auch metaphysische, fremde, okkulte und eschatologische Variablen, die nicht nur die Zukunft beeinflussen, sondern die niederen technologischen Faktoren völlig außer Kraft setzen und Ergebnisse schaffen, die den vorherrschenden Annahmen unserer Zeit völlig widersprechen.

Als Planet nähern wir uns einer gleichzeitigen Konvergenz von astrophysikalischen Zyklen, okkulten Trends, metaphysischen Plänen und alien Agenden. Diese Konvergenz stellt ein Schisma oder einen Nexuspunkt dar, eine Diskontinuität in der Geschichte der Menschheit, die die vorherrschende Ordnung ins Chaos stürzen wird. Aus diesem Chaos wird eine beliebige Anzahl neuer Ordnungen entstehen. Was auch immer das Ergebnis sein mag, auf lange Sicht wird die Zukunft nicht einfach ein linearer Verlauf der aktuellen technologischen Trends sein, sondern vielmehr eine vollständige Kondensation von esoterischen / fremden / okkulten Faktoren, die vorerst sub rosa geblieben sind.

Die Zukunft kann in zwei Hauptphasen unterteilt werden: den Übergang zwischen alten und neuen Epochen und die neue Ära selbst. Die neue Ära wird von Frieden, Erleuchtung und Integrität geprägt sein. Es wird eine neue Renaissance von Geist und Seele sein. Jeder Mythos, jede Vision und jede Prophezeiung spricht von diesem goldenen Zeitalter, diesem Himmelreich, dieser Herrschaft der Weisheit.

Die vorangegangene Übergangsphase wird jedoch eine von übermenschlichem Heldentum angesichts extremer Schwierigkeiten sein, da sich das geistig Erwachte gegen alte und neue Gegner stellt, die versuchen, ihre Dominanz aufrechtzuerhalten. Der Übergang erfordert die Bewältigung der tyrannischen Todeskämpfe der alten Machtstruktur, das Überleben des Zusammenbruchs der Zivilisation und die Entwicklung von Wissen, Stärke, Zusammenhalt und Identität, um die spirituelle Flamme im nächsten dunklen Zeitalter am Leben zu erhalten. Die Bedrohung der menschlichen Souveränität wird sich von bloßer politischer Unterdrückung am Anfang zu einer zunehmend kosmischen und übernatürlichen Opposition in der Mitte und am Ende entwickeln. Als Antwort auf diese Herausforderungen wird eine neue Ritterordnung entstehen. Unsere Fähigkeit, mit diesen Bedrohungen umzugehen, wird sich ebenfalls weiterentwickeln und von Fünf-Sinne-Methoden zu paranormaleren, psychischeren, ätherischen, spirituellen Formen der Verteidigung übergehen. Dies, während unser Bewusstsein, unsere Selbsterkenntnis, unsere göttliche Verbindung, unsere Wahrnehmung, unsere Technologie und unsere Umwelt allmählich zu einer höheren Oktave der Existenz übergehen.

Wenn wir das Obige in Musik übersetzen würden, wie würde es sich anhören? Würde Country-Musik das tun? Würde Jazz? Unsere Musik müsste episch, menschlich und doch übermenschlich, kraftvoll, dynamisch, transzendent, mysteriös, spirituell und intensiv sein.

Moderne Musik widmet sich zu sehr den Erfahrungsbereichen, deren Tage gezählt sind: urbanes Leben, Mode, Berühmtheit, Glamour, Materialismus, Promiskuität, Weltlichkeit usw. Nur wenige Genres sind in der Lage, den Zeitgeist der Zukunft einzufangen. Dafür brauchen wir Musik, deren Textur, Rhythmus, Melodie und Harmonie alles andere als klein und weltlich ist.

Eine offensichtliche Wahl für eine Textur, die Kraft, Energie und Dynamik verkörpert, ist der verzerrte Ton einer E-Gitarre. Die Verzerrung entsteht durch eine Überlastung der Vakuumröhren in einem Gitarrenverstärker. Das Signal, das auf die Röhren trifft, ist so intensiv, dass es ihre Nenngrenzen überschreitet. Daher verzerrt die Wellenform des Signals und erhält eine härtere Schallkante. Hier haben wir also bereits die Konzepte von Kraft, Energie und der Überwindung von Grenzen. Der resultierende Klang trägt nicht nur die identifizierbare Tonhöhe des Originalsignals von der Gitarre, sondern verfügt nun über ein reichhaltiges Spektrum an harmonischen Obertönen. Anstelle von einem gibt es jetzt viele. Dies fängt die Essenz der Macht ein. Becken in einem Schlagzeug bestehen ebenfalls aus einem riesigen Spektrum von Harmonischen, aber es fehlt ihnen eine genau definierte Grundtonhöhe und sie haben daher nicht die klangliche “Richtung”, die eine verzerrte Gitarre hat. Letzteres verkörpert die Macht vieler, die unter einem einzigen Zweck handeln. Das rauschende Geräusch eines massiven Wasserfalls, das Summen eines Hochspannungsgenerators, das Dröhnen einer Menschenmenge – all dies trägt zum Ausdruck von Macht bei.

Und daher ist der verzerrte E-Gitarrenton der Inbegriff von Kraft, Energie und Transzendenz. Es ist das goldene Mittel zwischen der Richtwirkung, aber Einsamkeit einer reinen Sinuswelle und dem vielfältigen, aber richtungslosen Klang von reinem Rauschen. Deshalb verwendet jede Metal-Musik den verzerrten Gitarrenton, denn Power ist der gemeinsame Nenner aller Metal-Subgenres. Der vorherrschende Akkord-Metal-Einsatz wird sogar als „Power-Akkord“ bezeichnet, basierend auf dem perfekten 2: 3-Fünftelintervall, da, wie bereits erwähnt, das perfekte Fünftel für sich genommen bereits einen königlichen und kraftvollen Klang hat, der nur durch Verzerrung verstärkt wird.

Der Archetyp der Kraft, der dem Metall zugrunde liegt, kann durch verschiedene Harmonien, Melodien, Texturen und Rhythmen gefiltert oder ergänzt werden, um die verschiedenen Subgenres des Feldes zu erzeugen. Leider ist die Macht des Metalls ebenso wie gewalttätige und dunkle Anwendungen in der heutigen Welt standardmäßig auf Gewalt und Zerstörung ausgerichtet, aber dies muss nicht so sein. Wenn es stattdessen auf das göttliche Reich gerichtet wäre, wäre das Ergebnis ein Ausdruck der göttlichen Kraft, eher ein Erzengel gleicher als ein dämonischer Archetyp. In der klassischen indischen Musik hat das als Tanpura bekannte Instrument eine ähnliche Textur wie die E-Gitarre und erzeugt ein Dröhnen, das kosmische Kraft andeutet.

Abgesehen davon, dass unsere Musik Macht ausdrückt, müsste sie moduliert werden, um das Gefühl des Übergangs zwischen den Bereichen zu vermitteln. Eine elegante Verwendung der Modulation bedeutet einen hyperdimensionalen Existenzzustand jenseits der Grenzen der linearen Zeit. Was es darstellt, ist näher an der Domäne von Außerirdischen, Engeln, Dämonen oder Dschinn als an der menschlichen Domäne, aber das wird sich ändern, wenn sich die Menschheit weiterentwickelt. Im Leben bekommen Menschen durch Träumen einen schwachen Eindruck von Realmübergängen, was eine Kreuzung von Realms des Aufwachens des Lebens in die innere Traumlandschaft und wieder zurück ist. Um ein Lied zu kreieren, das die Essenz von Träumen hervorruft, ohne auf spezielle Texturen zurückzugreifen, müssen Sie modulierende Melodien verwenden, die eine übernatürliche Eleganz haben. Tatsächlich hat Musik, die zuerst in Träumen gehört wird, oft genau diese Qualität. Der Übergang von der alten Welt in die neue Ära wird wie das Überschreiten der Grenze zwischen Wachtraum und Traum sein.

Wenn ein Lied oder eine Phrase mit derselben Taste beginnt und endet, während Sie dazwischen modulieren, führt dies zu Parallelen, wenn Sie Ihr Zuhause verlassen und eine epische Reise unternehmen, die mit Ihnen zu Hause endet. Wie viele Abenteuer-, Fantasy- und Science-Fiction-Geschichten sind uns mit diesem Thema begegnet? Der Zauberer von Oz ist ein Beispiel. Wenn die Modulation besonders jenseitig klingt, dann ist das Abenteuer ein magisches. Dies kodiert den Archetyp der Reise des Helden, die Vorlage, die Joseph Campbell entdeckte, war die universelle Grundlage der Mythologie. Die Mythologie selbst ist eine transdimensionale Karte unseres planetarischen Schicksals, die zeigt, woher wir kamen, wer wir sind, warum wir hier sind und wohin wir gehen, wenn auch in symbolischer Form wie in einem Traum. Und so wie Träume die Zukunft vorhersagen können, lässt der Heldenmythos unseren eigenen zukünftigen Triumph über Unwissenheit und Widrigkeiten erahnen.

Modulation ist daher wesentlich für die Kodierung der Eigenschaft der Transzendenz. Richtig gemacht, können Songs, die modulieren, Gefühle in uns hervorrufen, die eine zukünftige Zeit vorwegnehmen, in der bestimmte heldenhafte Menschen die weltliche Matrix überschreiten und die jenseitigen Kräfte, Kenntnisse und Erfahrungen erwerben, die erforderlich sind, um zurückzukehren und ihre Brüder zu befreien, die immer noch um deren Überwindung kämpfen.

Was die anderen Impulse betrifft, die während der Übergangsphase aktiv sind, so können wir für das spirituelle Element auf die reinen und eleganten Harmonien der Musik des Mittelalters und der Renaissance schauen. Zur Feier der menschlichen Individualität wirkt der Überschwang der Renaissance und des Barock. Für die emotionale Schwere der Hoffnung und Tragödie inmitten von Zusammenbruch und Wandel, die leidenschaftlichen Vocals und epischen Chöre der Romantik. Für Heldentum, Tapferkeit und Ritterlichkeit vielleicht die Volksmelodien der Skandinavier oder moderne Opern-Metal-Vocals. Für pure Kraft und übermenschliches Kaliber die unübertroffene Energie und Kraft der Metal-Gitarren und -Trommeln.

Kombinieren Sie all dies synergetisch und setzen Sie jenseitige Modulation ein, und Sie erhalten ein Beispiel für etwas, das die Ära des Übergangs ausdrücken kann.

Das bedeutet nicht, dass zukünftige Generationen genau diese Art von Musik hören werden, nur dass die aktivsten Archetypen dieser Zukunft jetzt durch bestimmte Kompositionen von angemessenem Umfang und Pracht in Resonanz gebracht werden können. Ob es irgendetwas in Ihnen stimulieren würde, hängt davon ab, wie sehr Sie mit diesen Archetypen in Resonanz stehen. Dies hängt wiederum davon ab, wer Sie sind, wo / wann Sie herkommen, warum Sie hier sind und wohin Sie im Leben gehen.

Fazit

Welche Musik wir genießen, umfasst möglicherweise nicht nur unsere Seelenresonanzmerkmale und wiederkehrenden Lebensthemen, sondern auch die oberflächlicheren Aspekte wie kulturelle / subkulturelle Zugehörigkeit und Grad des intellektuellen vs. kinästhetischen vs. emotionalen Zentrismus.

Es wäre jedoch ein Fehler, die Seelenresonanz mit den profaneren Faktoren hinter der musikalischen Präferenz zu verwechseln und daher die falschen Schlussfolgerungen zu ziehen. Um die Seele zu erreichen, muss ein Lied die musikalischen Schaltkreise des Gehirns durchlaufen. Wenn diese Schaltkreise nicht gut entwickelt sind, wird das Lied niemals in den Tiefen wahrgenommen, die notwendig sind, um die Seele überhaupt in Resonanz zu bringen. In diesem Fall kann die musikalische Präferenz einer Person eher auf weltliche Faktoren wie Assoziation, Identität oder Groove zurückzuführen sein. Viele dieser Personen neigen dazu, überhaupt keine starken musikalischen Vorlieben zu haben und hören so ziemlich alles. Das liegt daran, dass ihre Präferenz nicht bedingt aus ihren einzigartigen Seelenresonanzprofilen folgt.

Angenommen, wir können objektive Einblicke in die Seele gewinnen, basierend auf musikalischen Vorlieben. Was bedeutet das? Kurz gesagt bedeutet dies, dass wir alle spirituelle Rollen haben, die in ihren Eigenheiten einzigartig sind, aber generisch in ihrer Herkunft aus nur wenigen Archetypen. Zu diesen Archetypen gehören der Krieger, der Heiler, der Wanderer, der Betrüger, der Häuptling, das Kind, der König, die Prinzessin, der Ritter, der Held, der Techniker, der Außerirdische, der Märtyrer, der Beobachter usw. Diese Archetypen sind was den Entsprechungen zwischen Seele, Leben und Musik zugrunde liegt.

Es bedeutet auch, dass wir das sind, was wir sind, und wir stehen für das, wofür wir stehen. Wenn andere die Wahrnehmung unserer inneren Archetypen und wir die von ihnen erlangen, sollte dies kein Grund für gegenseitige Verachtung, Hybris oder Hass sein. Es sollte nur Anlass zur gegenseitigen sachlichen Anerkennung und zum gegenseitigen Verständnis sein, ohne notwendigerweise unsere eigenen Werte und Rollen zu verraten, denn wir müssen das sein, was wir sein müssen.

Nicht diskutierte Themen

Da dieser Artikel nur eine allgemeine Übersicht ist, habe ich die schwierigeren technischen Analysen aller mathematischen, okkulten und historischen Facetten der Musik und deren Anwendung nicht mit aufgenommen. Viel davon muss ich selbst noch erforschen und experimentieren, bevor ich sie zu meiner Zufriedenheit erklären kann.

Hier ist eine Liste der Themen, die noch zu erkunden sind:

• Wie sich musikalische Skalen und Modi (Ionian, Dorian, Phrygian, Lydian, Mixolydian, Aolian und Locrian) in ihren Auswirkungen auf die Seele unterscheiden.

• Wie Modi und Skalen die Kulturen beeinflussen, in denen sie eingesetzt werden.

• Wie Skalen den Chakren entsprechen und sie beeinflussen.

• Implikationen von Skalen wie der Moll- oder Dur-Pentatonik mit nur fünf Noten und wie diese mit den Kulturen korrelieren, die sie verwenden.

• Wie Rudolf Steiner betonte, hat sich der bevorzugte Modus der Menschheit im Laufe der Zeit zunehmend von Lydian (prähistorisch) über Phrygian (Ägypten und Griechenland) zu Dorian (Mittelalter) zum aktuellen ionischen Modus verschoben, wobei Locrian der nächste und wohl von unseren Nachkommen bevorzugte Modus ist.

• Wie wir die Fähigkeit, den Locrian-Modus genau und authentisch wahrzunehmen, noch nicht entwickelt haben.

• Wie Locrian der einzige Modus ist, der anstelle des perfekten Fünftels einen Tritonus verwendet, warum dies eine hyperdimensionale Fähigkeit darstellt, zwischen Bereichen zu wechseln, und wie dies mit dem zukünftigen Menschen korreliert.

• Eine Liste von Intervallen, Akkorden und Modulationen zwischen Akkorden und ihrer entsprechenden Farbe, Haptik, Realm usw.

• Eine zuverlässige Methode zum Modulieren zwischen einer Taste und einer anderen in Richtung der beabsichtigten Effekte innerhalb der in einem Song festgelegten Zeit.

• Die spezifischen Arten, in denen das Mikro-Timing des Rhythmus oder die mikrotonale Variation des Tons die Musik mit „Seele“ erfüllen.

• Die beiden Arten von Geräuschen, die Gurdjieff in Kapitel 42 von „Beelzebubs Geschichten an seinen Enkel“ erwähnt hat, wobei eines das gewöhnliche Geräusch ist, das wir kennen, und das andere in der Lage ist, Materie zu verändern, Gesundheit oder Krankheit zu beeinflussen und den Geist zu beeinflussen. Dies hat auch Bezug zu John Keelys Arbeit.

• Inwiefern entspricht die Stimmbeugung musikalischen Intervallen und Rhythmen?

• Harmonische Analyse verschiedener Vokale, einschließlich Obertongesang, und auf welche Weise diese auf verschiedene Bereiche, Archetypen oder Wesen hinweisen, die durch solche Klänge aufgerufen werden können.

• Wie das Obige in dreidimensionale cymatische stehende Wellen eingebunden werden kann, die im Äther induziert werden und als Portalöffner und / oder okkulte Siegel aus geometrischen Schwingungsmustern fungieren.

• Diskussion von Rudolf Steiners Einsichten und Beobachtungen in Bezug auf Musik und Seele und Alain Daniélou Metasystem der Musik.

Weiterführende Literatur

Music and the Power of Sound – Alain Daniélou

The Secret Power of Music – David Tame

The Inner Nature of Music and the Experience of Tone – Rudolf Steiner

The Occult Basis of Music – Rudolf Steiner

Outer Streams, Metaphysics of Music – Dr. Nelson Harrison

English original posted by montalk · 07 Sep 2014 | German version last modified by samvado · 24 Apr 2020